Élégance

03.11. – 23.12.2007

Wie verhält sich die Kunst zum Geld? Ist Kunst nichts als ein Konsumobjekt? Sind politische Inhalte mehr als ein preissteigernder Faktor am überhitzten Kunstmarkt? Welche Spielräume bleiben, wenn private Sponsoren die Lücken der öffentlichen Förderungen schließen sollen? Wie können sich Sponsoren anders als in Form von Kapital in die Kunst einbringen? Sind Kreativität, kritisches Selbstverständnis und gesellschaftliches Bewusstsein nicht unerlässliche Kennzeichen moderner Marktstrategien? Und ist die Produktion von Glamour nicht schlicht eine Überlebensstrategie in Zeiten des Neoliberalismus? In vier ambivalenten Installationen geht Élégance diesen Fragen nach.

In Julika Rudelius’ Videoinstallation Economic Primacy (2005) sprechen Topmanager und Millionäre über ihr Verhältnis zum Geld. Dabei ist es ein Merkmal von Rudelius’ Arbeit, an den Stellen genauer nachzufragen, wo man es gewöhnlich mit festen, medial vermittelten Bildern zu tun hat. Jeder der Manager wird dabei in dem anonymen Büro eines Geschäftsgebäudes gezeigt. Sie beantworten vom Betrachter ungehörte Fragen, die ihnen über die Telefonsprechanlage gestellt wurden.

Merlin Carpenter, dessen malerische und installative Arbeit in einem institutionskritischen Umfeld verwurzelt ist, präsentiert unter dem Titel David’s Soul (1999/2007) vier prestigeträchtige Mercedes-Benz-Mountain-Bikes als Ready-made. Die Räder sind von Mercedes-Benz oder der Daimler AG nicht kostenlos zur Verfügung gestellt worden, sondern wurden regulär erworben. In bewusster Parallele zum Kunstmarkt nutzt Carpenter Produkte eines globalen Marktes, die ihren Wert nicht zuletzt über ihren Namen entwickeln.

Für sein Projekt Radical Loyality (seit 2003 fortlaufend) hat Chris Evans ein Gelände in Estland angekauft, auf dem er ein Skulpturenpark verwirklichen will. Im Sinne eines ideellen Sponsorings hat er die Direktoren großer internationaler Firmen nicht um finanzielle Projektförderung gebeten, sondern im Gespräch über das Thema Loyalität gemeinsam mit ihnen Ideen für Skulpturen entwickelt. Estnische Bildhauer, die in Zeiten des Kommunismus Sowjetdenkmäler schufen, sollen diese Entwürfe nun für den Skulpturenpark umsetzen. Im Kölnischen Kunstverein wird der bisherige Projektverlauf dokumentiert.


How does art relate to money? Is art no more than a consumption-object? Are political contents more than a price rising factor on the overheated art market? How much leeway is given if private sponsors have to close the gaps of missing public support for art institutions? Is it possible that sponsors get involved in art other than in terms of money? Aren’t creativity, critical self conception and awareness of the needs of a society indispensable signs of modern market strategies? And isn’t the production of glamour a survival strategy for cultural producers in the times of neo-liberalism? Élégance goes into these questions in four ambivalent installations.

Julika Rudelius’ video installation Economic Primacy (2005) shows top managers and millionaires talking about their relationship to money. They are each filmed inside an anonymous office. They answer questions that are posed via inter phone and unheard by the viewer. A strange situation,making the viewer unsure whether the filmed persons pose for the public or are justifying themselves, or whether they are intimately soliloquising. The personal way of speech involves the viewer and withdraws the neutralising distance.

Merlin Carpenter presents four prestigious Mercedes-Benz mountain bikes entitled David’s Soul (1999/2007). The bicycles were not sponsored by Mercedes-Benz or the Daimler AG, but acquired by purchase. In a wilful parallel to the art market, Carpenter uses products of a global art market developing their value not least through their name. In a rather cynic way, the original idea of a ready-made as an object being linked to industrial reproduction and to the question of authorship is twisted here. And even the glamorous way way of dealing with popular culture, as is evident in the work of Jeff Koons, is broken through the presentation.

For his project Radical Loyality (ongoing since 2003) he bought an estate in Estonia in order to build a sculpture park. Instead of asking for financial support, he invited the directors of big international companies to conversation. Talking on the subject of „loyalty“ they developed concepts for sculptures for the park together. Sculptors from Estonia, who in Soviet times created communist monuments, are now supposed to realise these plans. At the Kölnischer Kunstverein, he will document the actual state of his project. Chris Evans’ work is not only a comment on cultural institutions’ dependence on sponsorships and enterprises. It could also be interpreted in the sense of an ironic criticism of neo-liberal take-over in the European societies if he did not (at the same time) accept complicity with global players by seeking an open dialogue with the managers.

Automne/Frottée 06/07 (2006) is a work by Thea Djordjadze, Gerda Scheepers and Rosemarie Trockel. The title, deriving from the world of fashion, refers to an installation dealing with prestige, self-dramatization and its condition of oneself. It consists of a stage evocative of a protective casket, where one can see two video installations. Further elements of the installation, a coffin-like car roof box for car-roofs, a bed, a heavy, grey curtain and three bath robes evoke intimacy and preciousness as much as death and decay. One of the sources for this work was a documentary on „Swankers“, South-African mine-workers, who save the last cents of their poor income for expensive suits from fashion designers. In nightly meetings they present the special features of these suits in dance-like performances.

Boris Sieverts, Büro für Städtereisen

25.08. – 30.09.2007

Seit genau 10 Jahren führt Boris Sieverts durch Stadtlandschaften. Angefangen hat er damit in Köln, auf der rechten Rheinseite, vor seiner Haustür. Es folgten weitere Führungen in Köln, dann eine ganze Reihe im Ruhrgebiet, in Paris, Rotterdam und andernorts. Und immer wieder in Köln.

Seit 2000 bietet er diese Reisen über sein Büro für Städtereisen an. Die ein- und mehrtägigen Pauschalreisen des Büros für Städtereisen führen durch jene Zonen unserer Stadtlandschaften, die – abseits der Touristenziele der Innenstädte und der bekannten Ausflugsgebiete – bis dahin als Reiseziele nicht in Betracht kamen. Dabei sind es gerade diese inneren und äußeren Ränder der Metropolen und die Zwischenräume der Ballungsgebiete, die einen binnen kurzer Zeit aus dem eigenen Kulturkreis entführen können und den Blick für die Weite und Vielfalt des Raumes öffnen, die dort möglich sind, wo nichts dargestellt werden muss. Sieverts´ Wanderungen und Radtouren verknüpfen Brachflächen und Siedlungen aller Art, Parkplätze, Abrissszenarien, Baggerseen, Wälder, Wiesen, Gärten, Autobahnen, Schulen, Häfen, Asylantenheime, Gleistrassen, Manöverplätze, Gewerbegebiete, Flughäfen, Tunnel, Tiefgaragen, Sackgassen, Trampelpfade, Flussauen, Deponien und vieles mehr zu wunderschönen bis krassen Raumfolgen.

Für die Ausstellung im Kölnischen Kunstverein hat Boris Sieverts ein Programm aus acht Führungen zusammengestellt, davon sieben in Köln und Umgebung. Einige Touren stammen aus den Anfangsjahren, andere finden zum ersten Mal statt. Alles in allem eine einmalige Gelegenheit für Interessierte, sich in einem konzentrierten Zeitrahmen intensiv diesem in kein Schema passenden Stadtraum und seiner Agglomeration auszusetzen. Mit der Ausstellung Boris Sieverts’ Büro für Städtereisen wollen wir dezidiert auf eine künstlerische Praxis hinweisen, die sich außerhalb des Kunstmarkts und des Formats Ausstellung bewegt. Seine Arbeit ist eine funktionierende Form von Kunst als Dienstleistung. In diesem Sinne wird Boris Sieverts’ Reisebüro in den Kunstverein umsiedeln und der Kunstverein zum Ort der Vermittlung.


For the last 10 years, Boris Sieverts has guided people through urban landscapes. He started in Cologne, on the right side of the Rhine – right outside his doorstep. Additional tours in Cologne continued, followed by an entire series in the Ruhr area, Paris, Rotterdam and other cities. He also returned to Cologne to give tours time and again.

Since 2000, he has offered these tours through his Büro für Städtereisen (City Tour Office). The one- or multiple-day tours lead people through areas of the city far away from the centre and popular tourist destinations – to places people would not normally visit. It is exactly these fringe areas, whether inside or outside the city, as well as spots between densely populated regions, which remove people from their normal societal contexts. Participants gain a perspective of the range and diversity of space possible when nothing needs to be put in its place. Sieverts’ walking and cycling tours unite rundown areas and housing estates of all kinds, car parks, demolition sites, man-made lakes, forests, meadows, gardens, motorways, schools, harbours, asylum-seekers’ hostels, railway tracks, exercise areas, industrial estates, airports, tunnels, underground car marks, cul-de-sacs, beaten paths, flood plains, waste dumps and many other sites to create tours of space ranging from the beautiful to the grotesque.

Boris Sieverts created a programme of eight tours for the exhibition at the Kölnischer Kunstverein, seven of which are in Cologne and surrounding areas. Some of the tours were designed years ago, others are being conducted for the first time. This is a unique opportunity for people to experience unexplored areas of city in this agglomeration in a concentrated period of time. Boris Sieverts’ Büro für Städtereisen, enables us to focus on the practice of art outside of the conventional art market and the exhibition format. His work is a functioning form of the service of art. In keeping with this idea, Boris Sieverts’ tour office will be relocated to the Kunstverein, and the Kunstverein will become a site of business. Sieverts will also hold so-called Google Earth lectures on four Wednesday evenings: He has selected colleagues to assist in the discussion, people with a fascinating interest and ability in talking about their relationship to their environment. Sieverts will integrate virtual flights and projected images into his discussion of near and remote locations. The audience can suggest different cities, make comments or just listen.

Pure Self Expression

Dirk Bell, Lisa Lapinski, Manuela Leinhoß, Melvin Moti, Mai-Thu Perret
02.06. – 12.08.2007

Die KünstlerInnen Dirk Bell, Lisa Lapinski, Manuela Leinhoß, Melvin Moti und Mai-Thu Perret gehen auf sehr unterschiedliche Weise ihrem Interesse an kulturellen Phänomenen nach, die sich dem Unbewussten verschrieben haben. Bisweilen geraten sie dabei in einen schillernden Konflikt mit ihrer eigenen kritischen Position und einem rationalistischen Weltbild. In der Ausstellung Pure Self Expression sind Installationen, Skulpturen und Malerei zu sehen, die eine Nähe zu Handwerk und Selbstgemachtem verraten. Auf dieser formalen Ebene stellen sie die Frage von Autorschaft, die durch die referentielle Aufladung der Objekte wieder in Frage gestellt wird.

Lisa Lapinskis Skulptur Nightstand besteht aus aufeinander getürmten Möbeln, Schubladen, Schranktüren, Fundobjekten und Fotos. In der pyramidalen Anordnung lehnt sich Lapinski formal an die Zeichnungen von Lebensbäumen der religiösen Shakergemeinschaften des 19. Jahrhunderts an. Auch die verwendeten Gegenstände sind Möbeln der Shaker nachempfunden, die als Vorläufer des modernen Designs gelten.

Seit 1999 schreibt Mai-Thu Perret an The Crystal Frontier, einem fiktiven Text über eine Gruppe von Frauen, die die Großstadt verlassen, um eine autonome Kommune in der Wüste zu gründen. Dabei entstehen Banner, Requisiten, Teppiche oder Keramiken, funktionale wie funktionslose Gegenstände, die als Objekte dieser anonymen Gruppe ausgestellt werden und etwas von der Psyche dieser fiktionalen Gruppe aussagen sollen. Die Künstlerin spielt hier mit den Fragen von Autorschaft und beschreibt sich sozusagen als Produzentin eines “Guppenmaterials”.

Die Titel von Manuela Leinhoß’ Skulpturen wie Ich lerne aus der Vergangenheit, Fin de Siècle, Symmetrie, Anatomie und Schicksal! oder reziprok sind Teil des Spiels mit dem Missverhältnis von Objekt, Titel und Bedeutung. Ihre fragilen Objekte aus Gips, Kunstleder, Holz oder Papier scheinen miteinander in Kommunikation zu treten. Mit Präzision verzichtet sie auf Perfektion, erzeugt den Eindruck des Selbstgemachten und Unstabilen, und setzt sich damit bewusst selbst ins Werk.

Dirk Bells Malerei, Zeichnungen und Collagen verweisen in ihrer ephemeren formalen Erscheinung auf Vorbilder wie die Symbolisten, William Blake oder Leonardo da Vincis Zeichnungen. Sie scheinen in fast überzogenem Maße an die alte Vorstellung von der Kunst als einer Traumwelt zu appellieren. Bell zielt dabei sehr bewusst auf formale und inhaltliche Bezüge, die zunächst als Faux-pas erscheinen. Gerne ergänzt Bell seine Ausstellungen durch Objekte wie auf dem Flohmarkt gefundene Malerei oder T-Shirts, die den Referenzen ihre inhaltliche Überhöhung nicht zugestehen, sondern sie in ein gewöhnliches Feld popkultureller Verweise eingliedern. In dem er in gefundene Bilder hineinmalt, stellt er auch die Frage nach dem subjektiven Filter, den jede Rezeption darstellt.

Der Film The Black Room von Melvin Moti kombiniert ein fiktives Interview mit Robert Desnos über seine Experimente des automatischen Schreibens unter Selbst-Hypnose im Kreise der Pariser Surrealisten 1923 mit einer sehr langsamen Kamerafahrt entlang der Wände der römischen Villa Agrippa in der Nähe von Pompeiji. Hier wurden als Wanddekoration der Wände erstmalig Grotesken eingesetzt. Sie stehen für den Übergang von realistischer Illusion hin zu einer neuen Imaginationskraft und freien Repräsentation der Welt. Die Fresken spannen sozusagen den Bogen von trompe l´oeil zu Magie. Die Frage, wie spirituelle Erfahrung rekonstruiert und vermittelt wird, ist wichtiger Ausgangspunkt für Melvin Motis künstlerische Arbeit.


The artists Dirk Bell, Lisa Lapinski, Manuela Leinhoß, Melvin Moti and Mai-Thu Perret pursue in very different ways their interests in cultural phenomena committed to the unconscious. From time to time they come into a dazzling conflict with their own critical position and a rationalistic view of the world. The exhibition Pure Self Expression contains installations, sculptures and paintings revealing an affinity to trade and handicraft items. On this formal level the works of art pose the question of authorship, which is again challenged by the referential charging of the objects.

Since 1999, Mai-Thu Perret has been working on the fictional text The Crystal Frontier, a text about a group of women leaving the city in order to establish an autonomous commune in the desert. Banner, props, carpets or pottery emerge throughout the process, functional as much as inoperable objects, that are exhibited as objects of this anonymous group and are intended to reveal the psyche of this fictional group. The artist plays with the questions of authorship and describes herself so to speak as producer of a „Group material.“ For Pure Self Expression Perret produced two carpets and seven ceramic reliefs – two techniques connected with feminism and Hippie-culture. In contradiction to the rather cool appearance of the lacquered, monochrome reliefs, also the motives like eggs, chains, crystals and skulls speak for this ironic exaggeration.

Lisa Lapinski’s sculpture Nightstand is composed of piled up furniture, drawers, cabinet doors, lost items and photos. Lapinski’s pyramidal composition follows formally the drawings of arbor vitae of the religious Shaker Communities in the 19th century. The used objects are also based on the style of furniture typical for the Shaker Communities and regarded as the forerunner of modern design. The space installation named „Nightstand“ is no decorative bedroom accessory, but instead gives the impression of a bulky arrangement, neither sculpture nor furniture, which as a whole, in spite of the conceptual interconnection of historical motives, creates an almost eerie, sacral atmosphere in space.

Manuela Leinhoß’ sculptures are titled Zukunft beginnt noch nicht, Der Wille zur Lust, Forte oder Verhältnis ohne Gegenteil and reziprok are part of her playing with the incongruity of object, title and meaning. Her fragile objects made of hard plaster, leatherette, wood or paper seem to communicate with each other. She abandones perfection with precision, creates the impression of something home made and instable, thus setting herself deliberately into oeuvre. Personal experiences, texts of authors enter the titles of the works of art and enable possible associations for charging the formally reduced objects with a content, which, however, always remains ambiguous and indefinite.

Dirk Bells’ paintings, drawings and collages with their ephemeral formal appearance refer to role models such as the Symbolists, William Blake or the drawings of Leonardo da Vinci. They seem to appeal in an almost excessive degree to the old concept of art as a dream world. Bell deliberately aims at formal and substantial connotations that at first look like a faux pas. In the installation at the Kunstverein these are for example Kitsh motives from popular-culture, teenager-rooms, but also the supercharging effect of light. He arranges a small altar, next to painting, drawings and objects creating the idea of diverse narratives. By painting on found paintings he, too, poses the question of a subjective filter, which every reception represents.

The Film The Black Room by Melvin Moti combines a fictional interview with Robert Desnos about his experiments in automatic writing under self-hypnosis, done in the circle of Paris Surrealists in 1923, with a very slow tracking shot panning along the walls of the Roman Villa Agrippa near Pompeii. A place where grotesques were for the first time used as wall decoration. They represent the transformation from realistic illusion towards a new imaginary power and free representation of the world. The frescoes range from trompe l’oeil to magic. The question of how spiritual experience can be reconstructed and imparted is an important point of departure for Melvin Moti’s artistic work. In The Black Room imagination is shown as part of the psyche and the social reality, thus becoming a productive counterweight in times of fictionalization and virtualization.

Dirk Bell (born in 1969, lives and works Berlin), Lisa Lapinski (born in 1967, lives and works in Los Angeles), Manuela Leinhoß (born in 1973, lives and works in Cologne), Melvin Moti (born in 1977, lives and works in Rotterdam) and Mai-Thu Perret (born in 1976, lives and works in Geneva and Berlin).

The exhibition is kindly supported by:
Sparkasse KölnBonn, die Botschaft des Königreichs der Niederlande, Pro Helvetia Schweizer Kulturstiftung und U.S. Consulate General, Düsseldorf/Amerika Haus

2007

Link

Ausstellung: Élégance, 03.11.2007-23.12.2007
Eintelausstellung: Boris Sieverts, Büro für Städtereisen, 25.08.2007-30.09.2007
Ausstellung: Pure Self Expression, 02.06.2007-12.08.2007
Archivreihe: Der Springende Punkt: Happening und Fluxus, präsentiert von Marcel Odenbach, 20.4.2007-21.12.2007
Performance: Helter Skelter, 08.03.2007-09.03.2007
Ausstellung: Museum of Noise: Mark Bain und James Beckett, 03.03.2007-20.05.2007

2007

Link

Ausstellung: Élégance, 03.11.2007-23.12.2007
Eintelausstellung: Boris Sieverts, Büro für Städtereisen, 25.08.2007-30.09.2007
Ausstellung: Pure Self Expression, 02.06.2007-12.08.2007
Archivreihe: Der Springende Punkt: Happening und Fluxus, präsentiert von Marcel Odenbach, 20.4.2007-21.12.2007
Performance: Helter Skelter, 08.03.2007-09.03.2007
Ausstellung: Museum of Noise: Mark Bain und James Beckett, 03.03.2007-20.05.2007

Helter Skelter

MOUVOIR / Stephanie Thiersch
Performance / Tanztheater
08.03. – 09.03.2007, 20 Uhr

Mit dem Tanztheaterstück Helter Skelter der Kompanie MOUVOIR um die Choreographin Stephanie Thiersch eröffnet der Kunstverein sein Bühnenprogramm im Theatersaal der Brücke.

Stephanie Thiersch entwirft in Helter Skelter mit Hilfe von fragmentarischen Videobildern, Live-Musik und gesprochenen Texten eine perfide choreographische Anordnung zwischen Tableaux Vivants und Tanz zu den uns alltäglich umgebenden medialen Bildern, die sich in unseren Köpfen und Körpern festgesetzt haben, zu den Posen und Rollenklischees überlieferter und aktueller Frauenbilder. Fünf sehr unterschiedliche Tänzerinnen probieren Rollen aus, bekannte Verhaltensmuster, Unterdrückungsmechanismen werden variiert. Unterschwellige, unberechenbare Aggressionen explodieren, aus einer scheinbar kindlich naiven Haltung entstehen subtile Bilder der Gewalt, erschreckend bekannt und unbesehen gesellschaftlich akzeptiert. Helter Skelter zeichnet ein Bild in der sich die emanzipatorische Kraft der Selbstinszenierung, wie sie die Gendertheoretikerin Judith Butler schildert, in steter Gefahr steht in neue Macht- und Ausschlussmechanismen umzuschlagen.

Choreografie/Konzept: Stephanie Thiersch; Choreografie/Tanz: Viviana Escalé, Alexandra Naudet, Karen Piewig, Teresa Ranieri, Agustina Sario; Choreografische Assistenz: Alexandra Naudet; Video: Martin Rottenkolber, Hirschberg/Schreiber; Musik/Gitarre: Joseph Suchy; Lichtdesign: Ansgar Kluge; Technische Leitung: Niko Moddenborg; Bühne: Stephanie Thiersch; Kostüm: Svea Kossack; Dramaturgie: Andrea Heller

Helter Skelter ist die erste Veranstaltung in der Reihe Antenne Köln, die durch die Rheinenergie Stiftung Kultur gefördert wird. Antenne Köln stellt die Arbeit junger Kölner Künstler unterschiedlicher Sparten im Kunstverein vor. Stephanie Thiersch ist Atelierstipendiatin der Imhoff Stiftung und des Kölnischen Kunstvereins im Schokoladenmuseum.


The Kunstverein launches its stage programme starting with the dance theatre piece Helter Skelter by the company MOUVOIR and their choreographer Stephanie Thiersch.

In Helter Skelter Stephanie Thiersch designs a perfidious choreographed arrangement combining elements of fragmented video stills, live music, recited text and dance as a critical commentary on everyday stereotypes of traditional and contemporary female roles and images. Five physically very different female dancers try on various roles whereby socially accepted behaviour and oppressive regimes are questioned. Subdued and unpredictable aggressions explode, subtle images of violence emerge from a seemingly naive childlike attitude, alarmingly familiar and socially accepted. Helter Skelter draws a picture of an emancipatory power of self-determination, as sketched out by gender theorist Judith Butler, that is itself in constant danger to turn into new mechanisms of power and exclusion.

Choreography/concept: Stephanie Thiersch; choreography/dance: Viviana Escalé, Alexandra Naudet, Karen Piewig, Teresa Ranieri, Agustina Sario; choreographic assistence: Alexandra Naudet; video: Martin Rottenkolber, Hirschberg/Schreiber; music/guitar: Joseph Suchy; light: Ansgar Kluge; technical director : Niko Moddenborg; stage: Stephanie Thiersch; costume: Svea Kossack; script: Andrea Heller

Helter Skelter ist the first performance to take place in the series Antenne Köln, generously supported by Rheinenergie Stiftung Kultur. Antenne Köln introduces the work of young local artists working in different media at the Kunstverein. Stephanie Thiersch benefits from a studio grant of the Imhoff Stiftung and the Kölnischer Kunstverein.

Museum of Noise: Mark Bain und James Beckett

03.03. – 20.05.2007

Mit der Ausstellung Museum of Noise: Mark Bain und James Beckett präsentiert der Kölnischer Kunstverein zwei Künstler, die sich an der Schnittstelle von Konzeptkunst, Soundart und experimenteller Musik bewegen. Für Museum of Noise haben beide Arbeiten entwickelt, die den Ausstellungsraum des Kölnischen Kunstvereins, der sich durch seine doppelten Fensterreihen auszeichnet, wie eine Vitrine in der Stadt nutzen. Für seine Arbeit Transparent Structures (2007) verwandelt Mark Bain (geb. 1966) den Saal in einen Lautsprecher. Er installiert Mikrophone an der Außenfassade des Gebäudes, die die Geräusche der Umgebung aufnehmen. Diese werden über Vibrationsumwandler, die Bain an die großen Fensterscheiben des Ausstellungsaal montiert, abgespielt, so dass die Fenster zur Membran und der Ausstellungsraum selbst zum Resonanzraum eines überdimensionierten Lautsprechers werden. Bain löst mit seiner Arbeit die akustische Grenze zwischen Innen und Außen auf und zielt damit auf eine Reflexion der unterschiedlichen Arten öffentlichen Raums und den damit verbundenen Zugänglichkeiten, mit denen der Ausstellungsbesucher, der Fußgänger und die Mitarbeiter des angrenzenden Amerikahauses konfrontiert sind.

James Beckett (geb. 1977) hat in seiner Arbeit Spade-Scrapes 1-6 (2007) Kopien von Architekturmodellen Riphahns angefertigt, die er im Ausstellungsraum wie Schatten neben den Originalmodellen präsentiert. Der Ausstellungsraum selbst dient ihm dabei als Vitrine. Gleichzeitig spielt er mit der Idee, dass in einer Vitrine Realität in Form von Ausstellungsexponaten, gedoppelt und zu einem Gegenstand verkleinert wird, so dass Einordnung und Reflexion möglich werden. Vor den doppelten Modellen steht jeweils ein Spaten. Diese Spaten hatte Beckett in einer nicht-öffentlichen Aktion verwendet, um vor den realen Gebäuden Riphahns eine Linie auf die Straße zu ziehen und durch die schleifende Bewegung des Spatens auf dem Asphalt einen kratzenden Ton zu erzeugen. Im Ausstellungsraum sind diese Spaten verstummt und nur noch Reminiszenz des in der Performance erzeugten Tons. Mit seiner Aktion verweist Beckett auf Riphahn, der in seiner regen Bautätigkeit ständig neue Materialkombinationen ausprobierte.
James Becketts Interesse an Sound hat sich aus seiner installativen Arbeit entwickelt. Das Projekt A Partial Museum of Noise (2003/2007) das auch im Kölnischen Kunstverein zu sehen sein wird, nimmt darin einen besonderen Platz ein. Es dokumentiert die kulturellen und physiologischen Auswirkungen unterschiedlichster Formen von Lärm und kommentiert gleichzeitig museale Präsentationsformen. Auch in anderen Arbeiten, wie den Monkhouse Traffic Profiles (2006) verwandelt Beckett wissenschaftliche Standards und Mess- und Ordnungseinheiten in ästhetische und hinterfragt damit Ihre Unanfechtbarkeit.

Mark Bain, der für Arbeiten bekannt ist, mit denen er die Eigenschwingung von Materie inszeniert, hat an verschiedenen Stellen des Gebäudes Kopfhörer (Buzz Phones, 2007) montiert, über die man die Geräusche, die die Elektronik und der Stromfluss des Gebäudes erzeugt, abhören kann. Mittels der körperlichen und akustischen Erfahrung von Architektur erzeugt Bain einen unheimlichen Effekt. Er untersucht darin, ob wir noch Herr über die uns umgebenden architektonischen Strukturen sind oder diese über uns. Auch in Bains Neufassung der Videoarbeit Feed carnivore-Nine times Playtime (2007) scheint die Technik sich zu verselbständigen. Neun DVD-Ausstrahlungen von Jacques Tatis’ Playtime überlagern sich in dieser Videoprojektion. Die neun Videos verlieren allmählich Ihre Synchronität und die architektonischen Modelllandschaften Tatis zersplittern und vermischen sich zusehends.


As the new directors of the Kölnischer Kunstverein, Kathrin Jentjens and Anja Nathan-Dorn will be launching their programme with two young artists who are on the cusp between concept art, sound art and experimental music.

In his installations, Mark Bain (born 1966, Seattle, USA) presents the self-oscillation of matter, particularly that found in architecture. By amplifying the seismographic oscillations of the ground or architecture either acoustically or using vibrators, he ultimately liberates the perception of space from the dominant form, namely observation. The viewing distance we have when looking at something is lost as a result of the physical or acoustic experience of architecture. Bain’s portrayals create an apparent contradiction – particularly through the material structures of our society – by dematerialising these by converting them into motion, sound and vibration. By presenting the machines used as minimal objects, he shifts the view from the world of products, which was so important for pop and concept art, to industrial devices, which dominate our everyday lives in a much more structural manner. With his work – which attacks, or topically addresses, architecture – and using industrial machines, he has already made himself a name internationally in the area of media art.

James Beckett’s (born 1977, Harare, Zimbabwe) interest in sound developed from an initially more installation-oriented work and led him towards radio documentaries and working with museal displays. Of special importance within this context is the A Partial Museum of Noise project, which will also be on display at the Kölnischer Kunstverein. It documents the cultural and physiological effects of various forms of „noise“. The Industrial Revolution also plays an important role in his artistic research. The invention of synthetic dyes and its link to BASF, for example, or the cultural implications of vacuum cleaner tubes for the Dutch concern, Philips. When he tells these stories, which also question customary artistic media, such as colour and images, based on the representation of the personal sphere of experience, he strips them of their power over our everyday lives. In other works as well, Beckett transforms scientific standards and units of measurement and order into aesthetic ones and questions their indisputability in doing so.

Bain and Beckett are characterised by an experimental approach to new technologies and media as well as a sensitive examination of specific places. For the exhibition at Die Brücke, both artists have developed works that deal with Wilhelm Riphahn’s building, which will also be an important starting point for our programme in the future. To this end, Beckett will duplicate architectural models of the Cologne-based architect, who deals with the vocabulary of modernism as if it were Lego. Mark Bain will amplify the character of the exhibition space as a display cabinet for the city by making the vibrations of the window glass audible. In doing so, he will transmit sounds from the inside to the outside and vice-versa. Also on display will be Partial Museum of Noise by James Beckett and a new version of the Feed carnivore video work by Mark Bain, which works with a fear-provoking super-positioning of television images. With their work, both artists question the principles of social organisation in terms of traffic, industrialisation, engineering and mass media. To this end, they touch on central topics for the future development of western democracies, which will also play an important role in our curatorial programme.