Seth Price

15.11.2008 – 04.01.2009

Die „calendar paintings“ des US-amerikanischen Künstlers Seth Price (geb. 1973, lebt und arbeitet in New York) enthalten Bilder der wenig bekannten amerikanischen Malerei aus der Zeit zwischen dem Ersten und Zweiten Weltkrieg sowie veraltete Computergrafiken und Werbung aus Zeitschriften, die mit Inkjet auf Leinwände gedruckt wurden.

Diese Arbeiten, die in den Jahren 2003 und 2004 entstanden und nun erstmalig ausgestellt werden, bilden den Fokus der kommenden Einzelausstellung im Kölnischen Kunstverein. Seth Price präsentiert sie im Ausstellungsraum auf schwebenden Wandflächen. Der Künstler stellt den Gemälden Plastikreliefs zur Seite, die im industriellen Verpackungs-Tiefzugverfahren aus Polystyrol hergestellt werden. Die Reliefs zeigen Masken oder Gesichtsabdrücke und erscheinen wie hochglänzende, glamouröse Produkte. Sie wurden in verschiedenen Farben hergestellt und tragen das Datum ihrer Herstellung. Die Präsentation wird durch eine malerische Videoprojektion ergänzt, in der eine animierte Sequenz eines sich bewegenden schwarzen Meeres im Loop gezeigt wird.

Die atmosphärische Installation erzeugt den Eindruck einer Zeitreise, in der auf unterschiedliche Weise der Umgang und die Verwendung von Dingen, Objekten und Bildern vorgeführt wird. Price manipuliert gefundene Bilder, zeigt ihre Veränderlichkeit und Abhängigkeit von Präsentations- und Distributionsstrukturen und macht seine eigenen Manipulationen sichtbar. Die Reise eines Bildes vom Computerscreen zur Leinwand und vice versa wird plötzlich als eine schmale Gratwanderung erlebbar.

Die Ausstellung wird gefördert durch die WestLB.


The inkjet-on canvas “calendar paintings”of the American artist Seth Price (born in 1973, lives and works in New York) contain pictures from the less known period of American painting between the World Wars, as well as obsolete computer graphics and magazine advertisements. These works, which he designed, composed and executed in 2003 and 2004 but has seldom exhibited, build the main focus of the upcoming solo exhibition at the Kölnischer Kunstverein. In the exhibition room Seth Price presents his workson suspended wall panels. Accompanying the paintings are vacuum-formed polystyrene reliefs with masks or facial imprints, looking like glamorous high-definition products. The reliefs have been produced in different colours and bear their date of production. The presentation is completed by a painterly video projection in form of a program loop showing a computer-animated sequence of black water in motion. The video is based on a 5-second loop sold for business use, which Price purchased and treated with color and motion effects.

Atmospheric as it is, the installation creates the impression of a journey through time during which the different handling and use of things, objects and pictures, is shown. Price manipulates found pictures, shows their changeability and their dependence on presentation and distribution structures and also makes his own manipulations visible. The journey of a picture from the computer screen onto a canvas and vice versa can suddenly be experienced as a tightrope walk. While the calendar paintingsquestion the idea of painting freed from time or function by correlating it to trivial wall-calendars often seen in offices, Price’s plastic reliefs exaggerate the idea of Pop Art to show pictures and sculptures as desirable consumer products. He presents the reliefs as mere covers; they are negative form of the depicted objects and materialize only in their surface form.

Seth Price’s film Digital Video Effect: Editions (2006) will be shown in the cinema. This film is a montage composed entirely of material from Price’s own earlier videos, here transferred to a 16 mm film format. The materials Price has used in his video editions, and which reappear here in cut-up form, include manipulated film footage by Joan Jonas from the early 1970s, a video by Martha Rosler that took up TV advertisements from 1985, pictures from the Internet, and news footage from the 1981 assassination attempt on Ronald Reagan. It is no longer discernable who is speaking, what is commented on, or what is inside and what is outside. Low-definition and high-definition material is equally juxtaposed. The critic Polly Staple explains Price’s method of operation with the fact that nowadays it seems oddly outmoded to try and break up arrangements and systems because an unambiguousalternative is just as inexistent as a clear opposition:

“We have multiple styles and approaches now. There is infinite access to and collisions of meaning and value systems. There is a plethora of choices and a surfeit of images within the cultural logic of late capitalism. Here, defined by media, image becomes material. Price works in the realm of this new American Sublime“.

A collaborative working method is of likewise importance to Seth Price. He is co-founder of the New York publication series Continuous Project, together with writer Bettina Funcke, artist Wade Guyton, and designer Joseph Logan. During the exhibition his latest publication How to Disappear in America (Leopard Press, 2008)is available at the Kölnischer Kunstverein; this book explains how one can successfully disappear in American society. Last year Seth Price received the award of the city of Lyon as a special award for his work at the Lyon Biennale. Most recently Price’s works were shown in exhibitions at the Kunsthalle Zurich and at the Museum of Modern Art, Oxford. A monographic catalogue with a text by Michael Newman will be published in cooperation with the Kunsthalle Zurich.

Many Challenges Lie Ahead in the Near Future

Mit Milos Tomic, Bojan Sarcevic, Vladimir Nikolic, Lulzim Zeqiri. Kuratiert von Radmila Joksimovic.
23.08. – 28.09.2008

Der Ausgangspunkt für die Ausstellung Many Challenges Lie Ahead in the Near Future ist eine unterschwellige Erwartungshaltung, die Künstlern und der Kunst vom Balkan entgegengebracht wird. Wenn es um Künstler geht, die aus der Balkanregion kommen, scheint die Herkunftsfrage sehr oft wichtiger zu sein, als andere Aspekte und Fragestellungen ihrer Kunstwerke. Im letzten Jahrzehnt präsentierten mehrere prominente Ausstellungen, wie In den Schluchten des Balkan, Kunsthalle Fredericianum, Kassel, 2003, Blut und Honig, Sammlung Essl, Wien, 2003, In Search of Balkania, Graz, 2002, usw. dem westlichen Publikum zeitgenössische Künstler, die aus dieser Region stammen. Auch wenn diese Ausstellungen den Künstlern die Gelegenheit gaben, ihre Arbeiten einem internationalen Publikum vorzustellen, haben sie ihnen auch eine Last auf die Schultern gelegt, die in der Frage besteht, was es zu bedeuten hat, ein „Künstler vom Balkan“ zu sein.

Natürlich ist das Wissen des Betrachters über die Herkunft eines Künstlers nicht folgenlos. Es erzeugt bestimmte Erwartungen an die künstlerische Produktion, nämlich sowohl in Form von Bildern als auch von thematischen Fragestellungen, die sich mit dem Kommunismus, den Kriegen auf dem Balkan in den 90er Jahren auseinandersetzen, oder eine bestimmte Art der exotischen Folklore und Tradition aufgreifen, die es nur noch „in den Schluchten des Balkan“ gibt. In so einer Situation stellt sich die Frage, wie sich Künstler dieser Erwartungshaltung stellen. Die hier präsentierten vier Künstler verwenden die erwünschten Bilder als Kern ihrer Arbeiten und problematisieren davon ausgehend ihre künstlerische Position.


Starting point for the exhibition Many Challenges Lie Ahead in the Near Future are subconscious expectations that artists and the art coming from the Balkans encounter.

When it comes to artists from the Balkan countries, the question of origin seems very often more important than other aspects or questions that their art works deal with. During the last decade several well known exhibitions, among others In den Schluchten des Balkan, Kunsthalle Fredericianum, Kassel, 2003, Blut und Honig, Sammlung Essl, Vienna, 2003, In Search of Balkania, Graz in 2002, have presented contemporary artists from the Balkan region to a Western audience. The exhibitions gave the artists the opportunity to present their work to an international audience while at the same time encumbered the artists with the question of what it means to be an „artist from the Balkans“.

Of course, the viewers’ awareness of the origin of an artist is not without consequences. Certain expectations arise concerning the images as well as topics and questions that the art from the Balkans is supposed to show and to deal with, such as the political situation in these countries, communism, the Balkan wars of 1990s or exotic folklore and tradition that exists only in „the Gorges of the Balkans“. In such circumstances the question arises of how artists come to terms with these expectations. The four artists presented in this exhibition put the desired images at the core of their work and discuss their artistic position from there on.

Bojan Šarèeviæ (born 1974 in Belgrade, Serbia) originates from the former Yugoslavia, but received his artistic education in France and now lives in Paris and Berlin. In his artist book Kissing the back of your hand makes the sound like a wounded bird (2007) he comments ironically on the never changing reception of his works on the basis of his origin. Next to the reproduction of his sculptural works, installations and videos (all of them as abstract as the title of his book), instead of art historical interpretations of his works, Šarèeviæ offers to the reader texts about the political and economical situation in the Balkan region: The Western Balkans: moving on (Chaillot Paper No. 70, Institute for Securtity Studies, European Union, Paris).

In his video Clay Pigeon Miloš Tomiæ (born 1976 in Belgrade, Serbia) shows a love story that is at the same time a story of war. The seductive way of editing, flirting with the aesthetics of silent movies, as well as his humorous approach prevents the story from becoming overdramatic. Tomiæ uses a specific motif of the history of the Balkans in order to call attention to a universal question.

In his video Heroes Lulzim Zeqiri (born 1978 in Gjilan, Kosovo) solves a double problem of legitimation. On the one hand he deals with the question of his position as an artist within the European context, and on the other hand with the question of his position within the Kosovo society. To solve the first question, Zeqiri offers an ironic, orientalistic staging of three musicians playing a traditional melody in traditional poses. On the other hand, he is aware that one is legitimized in Zeqiris own society by gaining recognition as national hero. This is why he lets the singers in their traditional song sing about contemporary artists from Kosovo instead of national heroes.

In his video The Death Anniversary Vladimir Nikoliæ (born 1974 in Belgrade, Serbia) takes a wailer from a village in Montenegro to the tomb of Marcel Duchamp in Rouen to do her mourning in this place. In this video Nikoliæ criticises a principle often used by artists: to use the ancient customs and traditions of their countries of origin as „ready-made“ and to show it in such an unprocessed form. He refers to this kind of art not as contemporary, but „ethnic art“ or „Look How We Celebrate Religious Holidays In My Land–art“.

Michael Krebber, Pubertät in der Lehre/Puberty in Teaching

Gast: Stefan Hoderlein
21.06. – 28.09.2008

Der Ausstellungstitel Pubertät in der Lehre⁄Puberty in Teaching klingt zunächst paradox, scheinen sich die Begriffe Lehre und Pubertät doch konträr gegenüberzustehen. Es kommen einem sowohl Michael Krebbers Idee von der Pubertät in der Malerei als auch seine Professur an der Städelschule in Frankfurt in den Sinn. Impliziert wird auch die Frage, ob Kunst überhaupt unterrichtet werden kann und, wenn es keinen Lehrstoff gäbe, wie Autorität dann definiert wird. Krebber stellt hier ein von ihm sehr ernsthaft, geradezu leidenschaftlich verfolgtes Thema vor, in dem er entschieden für eine in sich widersprüchliche, quasi pubertäre Haltung eintritt.

Michael Krebber (geb. 1954) ist einer der einflussreichsten in Köln lebenden Künstler und wir freuen uns, seine längst überfällige erste institutionelle Einzelausstellung in Köln zu eröffnen. Krebber spielt gerade für eine jüngere Generation internationaler Künstler wie Merlin Carpenter, Sergej Jensen, Michael Beutler und John Kelsey eine wichtige Rolle. In den 80er und 90er Jahren wurde er bekannt, als Antipode zu den bekannten, in Berlin und Köln wirkenden Positionen, die Maler wie Baselitz, Lüpertz und Kippenberger und Oehlen vertreten haben.

Michael Krebber wurde stets als konzeptuell orientierter Maler gehandelt. Diese Bezeichnung bezieht sich auf ein Werk, das sich seit mehr als fünfundzwanzig Jahren mit den Grenzen und Möglichkeiten der Malerei auseinandersetzt, ohne selbst immer in Form von Malerei aufzutreten. Dabei lenkt diese konzeptuelle Zuordnung von den rein formalen Qualitäten seiner Arbeiten ab. Es stellt sich die Frage, ob Krebber diese Form der Zuweisungen an bestimmten Stellen einfach als Finte für seine Arbeit einsetzt, sind ihr doch simultanes Zu- oder Begreifen und Entziehen, doppelte Böden, Sackgassen und Illusionen immanent.

Aber auch die neuere Bezeichnung Formalismus, einmal vom Nächstbesten als gut funktionierendes Doppelagententum verstanden, soll bei einer Erweiterung des Rezeptions- und Produktionsansatzes zur Debatte stehen.
In der Ausstellung werden ausschließlich Skulpturen gezeigt, puberty in sculpture, Stücke von zersägten Surfboards als Wandskulpturen und eine Außenskulptur auf dem Rasenstück vor dem Kunstverein, die, dem Hollywoodzeichen nachempfunden, den Schriftzug Herr Krebber zeigt. Alle diese Ideen, die entweder schlechte Witze sind oder einfach uninteressant, sind gestohlen oder von irgendwoher kopiert. Surfboards, wie Thunfisch in Scheiben geschnitten und wie eine Donald Judd-Skulptur gehängt, und ein Herr Krebber-Schriftzug installiert, um Grundstückskäufer anzulocken.


The title of the exhibition, Puberty in Teaching, is at first sight paradoxical, since the two concepts, teaching and puberty, seem contradictory. One thinks both of Michael Krebber’s idea of Puberty in Painting and also of his professorship at the StädelSchool in Frankfurt. Also implied is the question of whether it is possible to teach art at all and, if it is the case that there is no subject matter to teach, of how authority is then to be defined. Here Krebber is presenting a subject that is for him deeply serious, one which he has pursued passionately, and in which he is committed to an attitude which is in itself contradictory, indeed quasi pubertarian.

Michael Krebber (born 1954) is one of the most influential artists working in Cologne, and we are delighted to be presenting his first exhibition in a major institution here in Cologne. Krebber plays an important role precisely for the younger generation of international artists, people like Merlin Carpenter, Sergej Jensen, Michael Beutler and John Kelsey.Hebecame known in the Eighties and Nineties as the antithesis of the positions represented in Berlin and Cologne by painters like Baselitz, Lüperz, Kippenberger and Oehlen.

Michael Krebber was always viewed as a painter with a conceptual orientation. This label is applied to an oeuvre in which he has for more than 25 years been testing out the frontiers and possibilities of painting, without his work itself always appearing in the form of painting. However attributing him to conceptualism diverts attention from the purely formal qualities of his work. The question arises of whether Krebber uses this type of attribution simply as a trick for his work at certain times, in which grasping or outreach and simultaneous rejection, false bottoms, dead ends and illusions are everywhere immanent.

‘But the more recent term Formalism too, once considered by all and sundry to be a form of smoothly functioning double-agency, should be included in any debate on widening the approach to reception and production.

Exclusively sculptures are on show in the exhibition puberty in sculpture; pieces of sawn-up surfboards as wall sculptures, and on the lawn in front of the Kunstverein an open air sculpture inspired by the HOLLYWOOD sign, displaying the words Herr Krebber in large letters. All these ideas are either from bad jokes, or are just plain uninteresting, or are stolen or copied from somewhere else. Surfboards, carved in slices like tuna-fish and hung on the wall like a Donald Judd sculpture, and the words Herr Krebber erected like a sign to attract buyers for a plot of land.

These sculptures confront us with the weight and materiality which are required by object-based practice, requirements which can be avoided in teaching, philosophy and in other forms of mediation.

Herr Krebber is an adaptation of Paul Valéry’s Monsieur Teste, who isnt capable of identifying with any one role, whatever it might be, and who “is aware of the possibility that forgery too can be forged”. In this exhibition and in the book which accompanies it, the answer to the question of how Monsieur Teste would deal with these sculptures is put on hold.’ (Michael Krebber)

As back-up for the exhibition, which, with its concentration on sculpture, introduces a second phase in Krebber’s work, Stefan Hoderlein will show films, which he has shot with by night a thermal-imaging camera in car parks favoured for cruising.

The catalogue too forms a central part of the exhibition, with texts by Alex Foges, John Kelsey and Tanja Widmann, and a series of more than eighty reproductions of Michael Krebber’s older drawings. It is published by the Verlag der Buchhandlung Walther König and costs 32 Euro/ 28 Euro for members of the Kölnischer Kunstvereins.

With the exhibition a special edition will be published: Michael Krebber, HiFly, 2008, Surfboard slices, 12 Unique pieces, price, 490 Euro each.

Mark Leckey, The Long Tail

Performance
14.05.2008, 19 Uhr

Im Mai wird auf der Bühne des Theatersaals eine Live-Performance von Mark Leckey in der Filmset-Installation stattfinden. Er hält einen Vortrag, in der er seine Sicht auf die Geschichte des Fernsehens reflektieren wird: Bedeutung und Verfall einschließlich der Rolle des BBC in diesem Zusammenhang.

Mark Leckey, Resident

CENTRAL Kunstpreis
17.04. – 08.06.2008

Der CENTRAL Kunstpreisträger Mark Leckey (geb. 1964) präsentiert im Kölnischen Kunstverein die umfassende Einzelausstellung Resident. Der Titel bezieht sich nicht nur auf Leckey’s Residency im Kölnischen Kunstverein, sondern auch auf die Konzeption der Ausstellung entlang der horizontalen und vertikalen architektonischen Hauptachsen des Gebäudes. Leckey greift damit die für ihn kennzeichnende Arbeitsweise auf, seinen Wohnort als Ausgangspunkt seiner Arbeiten zu wählen.

Im Ausstellungsraum, auf horizontaler Achse, präsentiert Leckey die Video-Installation Cinema-in-the-Round (2007), in der der Künstler in einer Art Performance-Vortrag seine Sammlung aus Film-, Fernsehen- und Videozitaten vorstellt. Fasziniert davon, wie die Bilder auf der Leinwand scheinbar zum Leben erwachen, spricht er über die Übergänge vom Zwei- zum Dreidimensionalen und dem Verhältnis von Objekt und Bild. Die skulpturalen Qualitäten des Films werden neben Cinema-in-the-Round auch in dem 16mm-Film Made in ´Eaven (2004) und den Videos Felix gets Broadcasted (2007) und The Thing in Regent´s Park (2006) evident. In Ersterem hat man den Eindruck, die Kamera fängt die berühmte Playboy Bunny-Figur des amerikanischen Künstlers Jeff Koons von allen Seiten ein. Erst wenn man die Reflexion in der hochglänzenden Skulptur bemerkt, die das Atelier des Künstlers, jedoch nicht die Kamera spiegelt, begreift man, dass es sich um eine animierte Sequenz handelt. Diese ist wiederum ins 16mm-Format übertragen und wird wie eine Skulptur auf einem Sockel präsentiert. Bei The Thing in Regent´s Parks ist eine merkwürdige animierte Skulptur (von J. D. Williams) zu sehen, die durch den Londoner Regent´s Park läuft und damit einen Weg nimmt, den der Künstler täglich benutzt, um zu seinem Studio zu gelangen. Darüber hinaus wird der Künstler eine Abbildung der Hahnskulptur, die vor dem Kunstvereinsgebäude postiert ist, im Ausstellungsraums mittels eines Zoetropezum Laufen bringen – einem Gerät, das die Illusion bewegter Bilder vermittelt. Selbst die Werbung für die Ausstellung hat der Künstler übernommen. Zwei Fenster des Ausstellungsraums verändert Mark Leckey zu Schaufenstern, in denen er seine künstlerischen Produktionen im Inneren vorstellt und bewirbt, und damit – für die Passanten sichtbar – die Folge der kleinen Schaufenster auf der Hahnenstraße imitiert.

Vom Keller bis in den Theatersaal verläuft die Vertikale mit Arbeiten, in denen Leckey die Mechanismen des Fernsehens reflektiert. Im Mittelpunkt steht die Cartoonfigur Felix the Cat, deren Abbildung in den 20er Jahren für die ersten amerikanischen Fernsehübertragungen als Testbild verwendet wurde. Auf der Bühne im Theatersaal baut Leckey eine Art Filmset für die Cartoonfigur Felix auf, die nach einer Fotovorlage der Filmkulisse aus den 20er Jahren mit einzelnen Requisiten nachgestellt wird. Im Kino sieht man schließlich eine humorvollen Felix-Animation im 16mm-Format und im Keller schließlich findet man eine Soundskulptur, die die Form einer Heizmaschine hat und die ganze Installation von unten anzufeuern scheint.

Die internationale Jury des mit 75.000 € dotierten Central Kunstpreises 2008 setzte sich aus den Kuratoren Heike Munder (Migros Museum Zürich), Catherine Wood (Tate Modern London) und Charles Esche (VanAbbe Museum Eindhoven), dem Vorstandsvorsitzenden der CENTRAL Krankenversicherung Dr. Joachim von Rieth sowie Kathrin Jentjens und Anja Nathan-Dorn zusammen.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog in Zusammenarbeit von Kölnischer Kunstverein und Le Consortium, Dijon.


Mark Leckey (born 1964), laureate of the CENTRAL Art Award, is presenting a comprehensive solo exhibition at the Kölnischer Kunstverein under the title of Resident. This title refers not only to Leckey’s residency at the Kunstverein but also to the idea of the exhibition, which is arranged along the main horizontal and vertical axes of the building. One of Leckey’s characteristic strategies is to use his place of residence as a starting point for his work.

The horizontal axis of the exhibition space is devoted to Leckey’s video installation Cinema-in-the-Round (2007), in which he presents his collection of film, television and video quotations in a sort of performance lecture. Fascinated by how the images on the screen seem to come to life, the artist talks about the transitions between two- and three-dimensionality and the relationship between object and image. The sculptural quality of the films comes to the fore in Cinema-in-the-Round, in the 16mm film Made in ’Eaven (2004) and the videos Felix gets Broadcasted (2007) and The Thing in Regent’s Park (2006). Made in ´Eaven gives us the impression that the camera portrays Jeff Koons’s famous Playboy Bunny from all sides. Only when we see the reflection on the shiny surface of the sculpture – which reflects the artist’s studio, but not the camera – do we realize that the sequence was animated. It was transferred to16mm film and is presented on a pedestal, like a sculpture. In The Thing in Regent’s Park, we see a curious animated sculpture (by J. D. Williams) walking through Regents Park in London, taking the same route that the artist uses to go to his studio every day. Mark Leckey will also use a zoetrope – a device that creates the illusion of moving images – to cause areproduction of the rooster figure in front of the Kunstverein building to appear to walk.

Mark Leckey also took the publicity for the exhibition in hand. He turned two windows of the exhibition space into display windows to present his artistic production to passers-by, prolonging in this way the row of small shop windows in Hahnenstraße.

The vertical axis runs from the basement to the Theatersaal, presenting works in which Leckey considers the mechanisms of television. The centre of attention is the cartoon figure Felix the Cat, which was used in the 1920s as test pattern for the first television broadcasts in the USA. Leckey constructed a kind of film set for the cartoon figure on the stage of the Theatre space, recreating props from a photograph of the origianl set. A humerous 16mm Felix cartoon is shown in the cinema, and in the basement there is a sound sculpture in the shape of a heater which appears to fire the installation from below.

In May Leckey will hold a live performance in the film set installation on the stage. He will give a lecture on his ideas about the history of television, its significance and decay, and including the role of the BBC in this context.

In the 1990s, looking for new forms of expression in the medium, Leckey cut and manipulated music and found footage to make video-clips of his own. Today, however, image, film and television sequences have become easily and freely available on the Internet and the sampling technique has become a standard art form. This new situation has led Leckey to deal more closely with the making of his “own” images and to consider the role of art and the place of art production in his videos and installations.

Leckey became known through his videos, but also for his work with the band Jack2Jack. Together with Ed Liq, Bonnie Camplin and Enrico David, he created the band donAteller. Leckey recently had a solo exhibition at Le Consortium in Dijon, following projects at the Portikus in Frankfurt, the Migros Museum in Zurich, the Tate Britain in London and participation in group exhibitions at P.S.1/MoMA, Dundee Contemporary Arts and the Manifesta 5. Mark Leckey is professor of film at the Städelschule in Frankfurt.

The international jury for the 2008 CENTRAL Art Award of € 75,000 consisted of curators Heike Munder (Migros Museum, Zurich), Catherine Wood (Tate Modern, London) and Charles Esche (VanAbbe Museum, Eindhoven), the chairman of the board of the Central Krankenversicherung, Dr. Joachim von Rieth, Kathrin Jentjens and Anja Nathan-Dorn.

Konzepte der Liebe

Mit Gerry Bibby, Bless, Keren Cytter, Ekkehard Ehlers, Stephan Geene, Frauke Gust, Judith Hopf, Francesca Lacatena, Henrik Olesen, Monika Rinck, de Rijke⁄de Rooij, Jörg Rode, Deborah Schamoni, Klaus Theweleit, Florian Zeyfang.
Eingeladen von Judith Hopf, Kathrin Jentjens und Anja Nathan-Dorn.
09.02. – 30.03.2008

Eröffnung am 08.02.2008 mit einer Performance von Gerry Bibby und Liebesliedern, aufgelegt von Ekkehard Ehlers und Olaf Karnik.

Konzepte der Liebe ist eine Ausstellung, die künstlerischen Diskursen, Produktionen und Positionen nachgeht, welche die Erfahrung des „In-Liebe-Fallens“ als radikalisierende Bewegungsform thematisieren, oder besser: mitdenken.

Die Erfahrung des „In-Liebe-Fallens“ lässt sich bekanntlich nicht herstellen, da sie außerhalb der rationalen Entschlussmöglichkeit liegt. Dabei wird die Liebe selbst nicht als irrational betrachtet. Sie wird mit unzählbaren politischen, begehrens-orientierten und ästhetischen Projektionen, Strukturen und Konzeptionen verbunden. Die Gespräche, Produkte und Analysen von Liebenden über eben diese Liebeskonzeptionen stehen dabei meist in einem Gegensatz zu einer kapitalistischen Verweislogik, da sich diese möglicherweise anheizen, verhindern, manipulieren, psychoanalytisch erklären, aber einfach nicht erfolgsorientiert „rechnen“ lassen. Liebe kann erst dann wirken, wenn der oder die Liebende zur wechselseitigen Annerkennung der Differenz zum anderen gelangt, oder wenn es ihr⁄ihm gelingt, wie es die Autorin Monika Rinck zum Ausdruck bringt, „über das Ich hinaus auch das Du zu denken“.

Folgt man zum Beispiel Roland Barthes’ Thesen und Erfahrungen so sind Hypersensibilität, Überschreitung, Verschwendung, Beschleunigung, Verlangsamung und unvorhersehbare Bewegungen gegen die Funktionalisierung und Ökonomisierung des Subjektes alltägliche Handlungen und Erfahrungen der Liebenden. Die Unfähigkeit sich so in „Liebe (zu) gefallen“, sich an die Bedingungen und Anforderungen der Alltags- und Arbeitswelt anzupassen, wird nicht als Schwäche sondern gerade als (auch politische) Stärke verstanden. Trotz der liebestollen Blindheit sieht man scharf, gelangt zu den zärtlichsten Erkenntnissen und handelt radikal, und – im gesellschaftlichen Konsens gesehen – oft „falsch“.

Ausgangspunkt für Konzepte der Liebe ist die Arbeit von Judith Hopf, mit der wir die Ausstellung gemeinsam entwickeln. In ihrer Arbeit spielt die Frage nach dem Impuls und dem sozialen und gemein- schaftlichen Sinn für eine mögliche Produktivität, die sich in der Polis vermittelt und verhandeln lässt (oder eben nicht), eine wichtige Rolle. Der Begriff Konzepte der Liebe ist ihrem Sprachgebrauch entlehnt und ihrer Betrachtungsweise gesellschaftlicher, sozialer oder künst- lerischer Prozesse. So geht es in der Ausstellung auch keineswegs um eine Genealogie oder eine Analyse unterschiedlicher Liebeskonzepte, sondern vielmehr um bestimmte (auch historische) Konzepte und Begriffe der Liebe, die sowohl für Hopf als auch für die anderen beteiligten Künstler auf je unterschiedliche Art und Weise bedeutsam sind.

Die in der Ausstellung gezeigten Arbeiten, wie die Ko-Produktion von Judith Hopf und Stephan Geene Bei mir zu dir (tv. Low-dunkel), 2005, oder Elevator Curator, 2005, und Hospital Bone Dance, 2006, von Judith Hopf und Deborah Schamoni, sowie weiteren Arbeiten von Gerry Bibby, de Rijke⁄de Rooij, Florian Zeyfang, dem Musiker Ekkehard Ehlers und dem Künstler Jörg Rode, sowie von der Autorin Francesca Lacatena, zeigen unterschiedliche Versuche, eine Sprache für diese Bewegungen der Liebe zu finden. Das Modelabel Bless stellt dazu das Exhibition Furnish. Im Sinne eines Moments von Intensivierung und Verschwendung werden einige Künstler wie Keren Cytter und Henrik Olesen eigene Satelliten oder kleine Kosmen innerhalb der Ausstellung entwickeln. Eine Lesung mit der Autorin Monika Rinck und ein Vortrag von Klaus Theweleit wird Konzepte der Liebe in zwei Veranstaltungen erweitern.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Texten von Judith Hopf, Frauke Gust, Monika Rinck, Kathrin Jentjens und Anja Nathan-Dorn.

Wir danken dem Filmclub 813 für die Zusammenarbeit.

Die Ausstellung wird unterstützt von der Kunststiftung NRW und HDI Gerling.


Concepts of Love is an exhibition that pursues artistic discourses, productions and discussions thematising or – more precisely – thinking proactively the experience of “falling in love” as a radical form of movement.

The experience of ”falling in love“ cannot be drawn up as it lies beyond rational options of resolution. But love itself is not seen as irrational. It is linked with uncountable political, aesthetical and desire-related projections, compositions and concepts. The lovers’ talks, products and analyses of these love concepts stand for the most part in contrast with a capitalistic logic of reference. They might be stoked up, inhibited, manipulated, or psychoanalytically explained but cannot possibly be ”calculated“ in a success-oriented way. Only when the lovers succeed in accepting the difference between each other or when he⁄she is able to – as author Monika Rinck words it – ”think the You beyond the I“ can love take effect.

If one follows for example the theses and experiences of Roland Barthes, hypersensibility, transgression, prodigality, acceleration and deceleration as well as unforeseeable agitations against the functionalization and instrumentalisation of the subject are common acts and experiences of lovers. The inability to ”please oneself (and fall) in love“ and to adjust to the conditions and demands of everyday and of working life is not regarded as a weakness but instead is deliberately seen as (a likewise political) strength. In spite of lovelorn blindness, one is able to see clearly, reaches most tender insights and acts radically and – in social consensus – mostly incorrect.

Starting point for Concepts of Love is the work of Judith Hopf with whom we developed the exhibition. The question of the impulse and social sense of a possible productivity that can – or cannot – be communicated and negotiated in polity plays an important role in her works. Along with her own works, a large number of co-productions came into being, some of which, like for example the video Bei mir zu dir (tv.Low-dunkel), 2005, realized by Hopf and Stephan Geene or Elevator Curator, 2005, and Hospital Bone Dance,2006 which Hopf produced together with Deborah Schamoni will be shown.
With the works of Bless, Gerry Bibby, de Rijke⁄de Roij Eckehard Ehlers and Jörg Rode, Francesca Lacatena and Florian Zeyfang, Concepts of Love is an exhibition showing different attempts to find a language for these movements of love. In terms of a moment of intensification and dissipation, artist such as Keren Cytter and Henrik Olesen will develop own satellites or small universes within the exhibition. A lecture by Klaus Theweleit and a reading by author Monika Rinck will expands the array of events within Concepts of Love.